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"entre source et nuage"

 

“ Depuis longtemps, le travail apparent d’Akila MOUHOUBI s’accompagne d’un grand respect du support privilégié, le papier.

On osera même aller jusqu’à dire que le travail privilégié est depuis longtemps le papier.

Bien entendu, ce que reçoit le support de couleur, d’attention, de travail, de signes, de matière est d’une importance considérable, mais la science qui se déploie n’est ni du geste ni de l’ordre du récit, elle provient de la profonde complicité entre l’artiste et le réceptacle de ses efforts.

Bien qu’elle emploie aussi, à égale importance, la toile libre, sans chassis ni tension, cette liberté est avant tout celle de la feuille.

Bien qu’elle utilise la réserve pour faire remonter le blanc du textile, ce blanc est toujours le blanc du papier.

Le papier n’est pas une malédiction du travail d’Akila : de réceptacle de l’écriture ou de l’enluminure, il va évoluer vers le rôle de confident des sensations les plus intimes du peintre : il faut dire qu’il reçoit et comprend si bien les marques les plus imperceptibles du froissage le plus discret, de la griffure la plus légère, de la déformation la plus infime due à un trop-perçu d’eau ou de peinture.

C’est ainsi que se nourrit le support, c’est ainsi qu’il vit, réagissant jour après jour aux évaluations prudentes de l’artiste. A l’ambiguïté de ses intentions partagées entre le décoratif et la mise en place d’un vocabulaire simple, donc efficace, donc reconnaissable, qui dirait avec certitude et rigueur des choses simples : la variation constante de la lumière, la sensation ultime que tout est paysage, la sensualité abstraite liée à l’apparition furtive des mythes diurnes et nocturnes.

Si le rite du papier, le respect qui l’accompagne et son importance maintenant confirmée, ne change jamais radicalement, les fluctuations du rapport au sujet de la peinture restent encore importantes : tantôt on verra poindre une figuration que l’on croyait écartée au profit de la vibration et de la nuance, tantôt s’affirmeront les traces envisageables d’un modèle calligraphique (non pas lié à une écriture spécifique, mais une gestuelle réinventant les techniques du calligraphe).

De ce balancement naît un rythme interne à l’oeuvre, un rythme à long terme, qui, au lieu de souligner les différences ou les félures, les intègre à une cohérence sensible.

Pour Akila, il n’y a pas lieu de choisir entre le reconnaissable et l’inconnu.

Sa peinture, son dessin se nourrissent des minuscules tiraillements issus des différences entre abstraction et figuration, différences finalement pas aussi considérables que cela : les couleurs, les techniques, les préparations, les préoccupations sont les mêmes.

Seule change la ligne d’arrivée.

Ce but manichéen, qui peut se situer d’un côté ou de l’autre de la ligne de partage entre identification et mystère, est le travail au jour le jour : il suit le fil des préoccupations. S’il anticipe parfois ce fil ténu, il ne l’excède jamais, ne le tend jamais jusqu’à le casser.

La peinture reste légère, le geste calme : que s’affirme par exemple un paysage, un ciel identifiable, et le travail d’Akila le cerne et le suit.

Que se disent des fragments de sens et de signes, le travail les aide tout autant à se parfaire.

L’interdit de l’image ou le snobisme de l’hermétique ne sont ici ni l’un ni l’autre de mise. L’enjeu n’est pas pour Akila un enjeu temporel. Il n’est pas d’imposer un style, une marque reconnaissable à toute force. Il n’est pas non plus de creuser un immuable sillon aux côté de tous les autres sillons tracés par tous les autres créateurs contemporains.

Si Akila met dans la peinture, dans la saisie colorée du monde qui la sienne, un enjeu (ce qui n’est pas si certain), il est, serait naturel de croire qu’il concerne la durée ; mieux, qu’il a tout à voir avec le temps. Pas le temps évènementiel et chronologique, pas plus le temps météorologique que le temps politique.

Le temps personnel de cette création du fil du temps pourrait être défini comme biologique. Comme si lié à la personne et à la personnalité de celle qui conçoit qu’il en serait indémêlable.

De la même façon moteur et ingrédient de la conception, c’est ce temps qui fait trace, qui fait poids dans chacun des dessins, chacune des peintures qu’il nous est permis de voir.

C’est aussi ce temps qui relie chaque oeuvre, efface les différences catégoriques, masque les sauts brusques, répare les absences.

La mise en relation qui en résulte tient à la fois de la patience et du miracle : les petites choses qui s’y manifestent s’imposent vite comme des grandes leçons."

François BAZZOLI 1991